The House of Fame: Linder Sterling in conversation with Mark Bradley

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Linder Sterling, Pythia, 2017. Courtesy the artist and Stuart Shave/Modern Art. Devonshire Collection, Chatsworth

The 2018-19 BSR Fine Arts Talks series TALK GENDER opens this Friday 16 November at 18.00 with a conversation between artist Linder Sterling  – known for her radical feminist photomontage, and confrontational performance art focusing on questions of gender, commodity and display – and classicist Mark Bradley who has been working with Linder since the two met during Linder’s residency at Chatsworth House. Here Mark tells us a little more about how that collaboration came about.

What do a contemporary artist and a scholar of ancient Rome have in common? More than you might think, is the answer. I first met Linder Sterling in Autumn 2017, when she was artist-in-residence at Chatsworth House and had the enviable task of trawling the House’s extensive archives and collections while preparing an ambitious exhibition for the following Spring that would integrate her own specialism in montage and subversive feminist art with Chatsworth’s rich sophisticated appropriation of classical myth and iconography – and the former Dowager Duchess’ fascination with Elvis Presley. Like the 12th Duke of Devonshire, Peregrine Cavendish (the current owner of Chatsworth), Linder also shares a keen interest in olfaction, incense and sensibility, and so it became the mission of her project to animate the rich sights and sounds of Chatsworth’s historical past, as well as exploring ways of projecting the House’s immersion in classical antiquity through the strategic use of incense recipes taken straight from ancient Greece and Rome.

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Linder Sterling, Origin of the World, 2016. ©Linder Sterling courtesy the artist + Stuart Shave/Modern Art London

That is when Linder heard about the Anglo-French conference that I co-organised last June at the British School at Rome and the École française on the topic of ‘Sensing Divinity: Incense, Religion and the Ancient Sensorium’. Sadly, she was not able to attend, but fortuitously Chatsworth itself and Nottingham Contemporary Arts Gallery, where Linder was organising her linked retrospective exhibition ‘The House of Fame’, were a stone’s throw from where I lived and worked. That was the beginning of a rich friendship and collaboration that has journeyed from Chatsworth to Nottingham Contemporary, to Linder’s most recent performance ‘The Bower of Bliss’ at Southwark Station, a contribution to the ‘Art on the Underground’ project, and now to the British School at Rome. I’ve been working on the sights, sounds, smells, tastes and touches of classical antiquity for over twenty years, and I’m also interested in how those senses and sensations are channelled into and interpreted by modernity: I learned an enormous amount about those themes during my six years as Editor of Papers of the British School at Rome, in which the richly intertwined themes and experiences of the 3,000-year history of the city led my interests in all sorts of directions that I never expected to go. In the context of these interests, Linder’s penchant for montage resonates with the layered and fragmented experiences of Rome as a city, in which senses and sensations have always been how inhabitants and visitors made sense of their environment and its history. This has become the perfect opportunity for an adventure.

Our ‘conversation’ at the British School at Rome this Friday will chart not only the milestones of the journey Linder and I have taken together over the last twelve months, but will also highlight the rewards that can be reaped when we think outside the box, when artists and academics with common interests work together to explore both new and old ways of representing the world and our places in it.

Mark Bradley

Linder and Mark Bradley at Chatsworth

Linder and Mark at Her Grace Land, Chatsworth House.

 


 

Linder is a British artist known for her radical feminist photomontage, and confrontational performance art. Linder focuses on questions of gender, commodity and display. Her highly recognisable photomontage practice combines everyday images from domestic or fashion magazines with images from pornography and other archival material. Linder has recently completed a residency with Art on the Underground in London during which she has created 85 metres of billboard photomontages and 12 million copies of her tube map cover design are currently in print.

Mark Bradley is Associate Pro-Vice-Chancellor and Associate Professor of Ancient History at the University of Nottingham, and former Editor of the Papers of the British School at Rome (2011-17). He is author of Colour and Meaning in Ancient Rome (2009) and Editor of the six-volume Routledge series ‘The Senses in Antiquity’ (2013-18), and also has research interests in approaches to dirt, pollution and purity in the city of Rome, and the reception of classical antiquity during the British Empire.

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Introducing…Martina Caruso, Assistant Director in Art, Architecture and the Creative Industries

29946375727_96b29b51b4_z.jpgIn my new role as Assistant Director for Art, Architecture and the Creative Industries, I’d like, among other things, to bring aspects of British culture I miss to Rome. Cultures meet at the BSR, something I enjoyed during my time in higher education in the UK: at Oxford where I studied English and French, at University College London where I completed a Master’s in Comparative Literature and the Courtauld Institute of Art where I wrote my PhD on Italian humanist photography. I’ve since published it as a book entitled Italian Humanist Photography from Fascism to the Cold War, which I’ll be presenting this month at New York University.

The world of photography history in the UK is small but vibrant and I look forward to creating collaborations between it and Italian scholars here. A first foray into the BSR archives has revealed a rich holding of early survey photography in the Mediterranean which I plan to examine and bring into conversation with postcolonial art practices in landscape. This research would build on what I began with the exhibition My Sister Who Travels at the Mosaic Rooms (Qattan Foundation) in London in 2014.

My academic career evolved at University of the Arts London where I taught Contextual Studies at Camberwell and London College of Communication within the Fine Arts and Photography departments. I was also visiting lecturer at the Institut français de presse at Panthéon-Assas, Paris II.  At John Cabot University in Rome, I taught courses on the history of photography and on architecture under Fascism in Rome. It is here I discovered Posthuman studies. I’ve since begun exploring animal-human relationality in contemporary video art and have a forthcoming article on the topic in the Canadian peer-reviewed journal ESPACE.

In my former role as Director of the Giulio Turcato Archives in Rome I gained expertise in modern and contemporary Italian art and hope to have exchanges at the BSR on this topic. I’m also conducting research around private and public memory in relation to Fascism and the Fosse Ardeatine Massacre in 1944. Thanks to our Director Stephen Milner’s wide-ranging interests I feel inspired to connect the disparate parts of my life, including my alternative, non-arts related history in this city: I also worked for the Food and Agriculture Organization of the United Nations and I’m interested in maintaining the BSR’s communication channels with the different UN organisations active here.

The BSR’s increased engagement with the British Council and the British Embassy means we’re looking forward to a substantial co-created programme involving the Creative Industries, which is part of the Creative Sector Deal and the merging of the Galleries, Libraries, Archives and Museums (GLAM) sector with UK Higher Education Institutions. Among the many plans, I aim to host events related to sustainable fashion as well as a film festival of alternative British film. The BSR will also be collaborating on the Press Play conference to discuss ideas of ‘Creative Interventions in Research and Practice’, opening up dialogues between artists and scholars.

I was excited to put together the BSR’s new Research Strategy with my excellent colleagues Harriet O’Neill, Assistant Director for the Humanities and Social Sciences and Peter Campbell, Assistant Director for Archaeology, with whom I look forward to collaborating on a vast array of projects from object-oriented ontology to the Anthropocene as well as hybridity and false memory. So many pathways to explore.

 

Martina Caruso (Assistant Director for Art, Architecture and the Creative Industries)

Portrait photo by Antonio Palmieri.

 

Oplontis Room 66

BSR alumna Gina Medcalf’s (Abbey Fellow 2014–15) exhibition Oplontis Room 66 is currently open at the Kapil Jariwala Gallery, London. In this blog Gina discusses the dialogue between the historic and the contemporary and how the work is inspired by research carried out during her BSR residency. 

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Photo Antonio Palmieri

In the Oplontis Room 66 series of paintings I want to connect the historic and the contemporary experiences of painting.  Already in my mind as an inspiring narrative before my BSR Abbey Fellowship of 2015, Roman wall paintings had a presence which demanded a deeper understanding.  I followed the clues as my research unfolded, like reading a detective story.  Similarly, the paintings which followed took their time to unfold, research and put into practice.

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GINA MEDCALF
ROOM 66/3L, 2018
Acrylic on canvas
131.5 x 113 cm

The Room 66 wall paintings are of exceptional quality.  Perhaps by the same team of painters as the ‘fantastic’ architectural designs in the Cryptoporticus of Nero’s Domus Aurea in Rome.  ‘The decorative system in the Domus Aurea spread from the capital to the rest of the Empire’, says Alessandra Zampieri  in her book, Ornament and the Grotesque.  And since it is a probability that Oplontis was built by Nero for his wife Poppea, the use of the same painters in the two locations could be considered.  Oplontis is a supreme example of Nero’s ‘new’ taste in decorative art.

However, I was not so interested in the grotesques in Room 66 as in the strong contrasts between the red and black below and the white grounded, full polychromatic upper part.  A visitor to the preview of my painting exhibition wrote, ‘I hope one day we will get to Oplontis, but I must say I imagined it as a rather sad and gloomy place and your paintings are so full of life that I must be wrong.’  The paintings at Oplontis are still full of life with their vibrant drawing and colour, two thousand years after they were painted.

In preparation for the Abbey Fellowship at the BSR, I looked at colour in Roman wall paintings from the point of view of use, availability and cost, then I looked for the closest equivalent to those colours in paints today. In Room 66 I found the key to unlock a convincing interpretation of that passage of time between c.50 CE and 2015.  The red, black, yellow, turquoise, sienna and brown oxide colours and the integration of that colour and linear drawings were the foundation for my 2018 series of paintings.

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GINA MEDCALF
ROOM 66/4L, 2018
Acrylic on canvas
132 x 114.3 cm

Oplontis Room 66 is showing at the Kapil Jariwala Gallery, London until 2 November 2018.

 

Eternal City. Roma nella collezione fotografica del Royal Institute of British Architects

La mostra Eternal City. Roma nella collezione fotografica del Royal Institute of British Architects – curata dal faculty member della BSR Marco Iuliano con Valeria Carullo e Gabriella Musto – chiude al Vittoriano questo fine settimana. Abbiamo parlato con Marco per conoscere maggiori dettagli e il background di ricerca alla base di un progetto che, in meno di quattro mesi, ha attratto più di 100.000 visitatori.

Da dove arriva l’idea di questa mostra? 

La mostra è la sintesi di suggestioni diverse, di interessi e passioni che arrivano da lontano. Ma è, al tempo stesso (o, forse, soprattutto) il prodotto di incontri. Ho avuto la fortuna, negli anni della mia formazione universitaria, di avvicinarmi a uno degli archivi fotografici più importanti della mia città. È all’Archivio Parisio, sotto il porticato di San Francesco di Paola, a pochi passi dal Palazzo Reale di Napoli, che ho imparato a maneggiare con cura i negativi su vetro e ad amare questa disciplina, grazie alla generosità dei suoi curatori, Stefano Fittipaldi e Giuliana Leucci.

Roma, laboratorio dell’immagine dagli albori del medium, ha da sempre stimolato la mia immaginazione. D’altro canto, già dalla metà dell’Ottocento, i fotografi di ogni nazionalità – all’epoca sarebbe più corretto parlare di pittori/fotografi – si davano appuntamento al Caffè Greco in via dei Condotti e sperimentavano le nuove tecniche, dai dagherrotipi ai negativi su carta. E, tra i pionieri britannici, alcuni, da James Anderson a Robert McPherson, si erano addirittura trasferiti in pianta stabile a Roma.

Naturalmente, nel corso delle ricerche che stavo svolgendo presso gli archivi del Royal Institute of British Architects (RIBA), la curiosità mi aveva spinto a cercare immagini della Capitale. Non quelle iconograficamente più note, ma soprattutto, differenti momenti storici – autori e sguardi diversi. Si trattava prevalentemente di Inglesi: accanto alle immagini del citato Anderson – capostipite di una dinastia di fotografi – si ritrovano professionisti noti come Edwin Smith, Richard Bryant, Ivy de Wolfe, Richard Pare e ‘scoperte’ come Marion Johnson (meglio nota con lo pseudonimo di Georgina Masson), Tim Benton e Monica Pidgeon. Da subito, quindi, il secondo Novecento è sembrato un periodo pieno di potenzialità e relativamente ‘nuovo’, poco indagato, a differenza della fotografia delle origini a Roma, su cui molto è stato scritto, specie in Italia.

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John Donat, Pantheon, 1960 (RIBA Collections)

L’opportunità è poi arrivata un paio di anni fa. Con la creazione dei poli museali in Italia, nel 2015, è cominciata una nuova e dinamica stagione di mostre e di valorizzazione di beni culturali. Con Gabriella Musto, che dirige con impegno e competenza il Monumento a Vittorio Emanuele II, condivido sin dai tempi dell’università la passione per la fotografia, in particolare di architettura. Passione che ci accomuna anche a Valeria Carullo, curator di fotografia al RIBA; abbiamo quindi integrato le nostre competenze per la mostra, grazie al supporto al progetto che da subito ci ha mostrato la direttrice del Polo Museale del Lazio, Edith Gabrielli, storica dell’arte che ha lavorato, tra le altre cose, sui temi della fotografia. Un’interlocutrice attenta che ha supportato la nostra sfida da subito.

Un aspetto importante di questo progetto è che in Italia iniziative di qualità possono essere realizzate, se ci sono le persone e la volontà giuste. Il Vittoriano, una vera e propria ‘macchina’ per apprezzare il paesaggio urbano romano, è stata la cornice ideale per l’esposizione – quale migliore sede per mostrare a Italiani e stranieri Roma come (probabilmente) non l’avevano mai vista?

Potresti dirci qualcosa in più sulle decisioni curatoriali, ad esempio l’uso di un approccio tematico per la presentazione delle immagini? 

L’aspetto curatoriale è stato sin dall’inizio in evoluzione. Personalmente credo che i progetti, siano essi di ricerca o espositivi, debbano avere una idea guida forte, basata su di una struttura chiara, cui facciano seguito scelte rigorose. Bisogna però avere la capacità e l’apertura al dialogo, al confronto; l’umiltà di saper cambiare le proprie idee, specie in iniziative complesse e aperte a tante opzioni.

La scelta di focalizzare la mostra su una collezione unica è stato un aspetto sul quale ho creduto sin dall’inizio. Conoscevo abbastanza bene l’archivio del RIBA, ma come curatori abbiamo speso tante ore a identificare, scegliere e confrontarci. In quest’ottica, ognuno ha dato il suo contributo e mi fa piacere ricordare tutti quelli che hanno arricchito il progetto: Antonello Alici, Wouter Bracke, Roberto Faraone, Alessandra Giovenco, Owen Hopkins, Martha Magrini Sissa, Paolo Mascilli Migliorini, Stephen Milner, Carla Molinari, Nick Ray, Richard Pare, François Penz e Tom True. Molti di loro hanno anche contribuito al catalogo, pubblicato da Skira.

Le 200 immagini in mostra sono una minima parte di quelle disponibili in archivio. La scelta non è stata semplice: come raccontare Roma, una città così complessa e stratificata, non solo nelle sue architetture ma anche nell’immaginario collettivo e nella produzione iconografica?

L’approccio tematico alle fotografie è stato quindi necessario e in mostra sono quattro le sezioni – Antichità, Modernità, Paesaggi Urbani e Atmosfere. Non solo: con la sospensione del tempo, che a nostro avviso ben si addice all’idea della ‘Città Eterna’, il materiale è presentato come se il tempo non fosse una variabile, dalle origini della fotografia fino alla contemporaneità, alla simultaneità. In mostra si può trovare un’immagine di metà Ottocento, accanto a una scattata qualche anno fa: analogie e contrasti visivi sono stati offerti al pubblico per le loro suggestioni e valutazioni.

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Tim Benton, Palazzo della Civiltà Italiana, EUR, 1976 (RIBA Collections)

La risposta del pubblico è stata straordinaria. In meno di quattro mesi, più di 110.000 visitatori hanno varcato la soglia della mostra. Ma le soddisfazioni non si limitano ai numeri, hanno a che vedere con l’impatto delle immagini nella vita delle persone. Come nel caso di uno degli efficientissimi operai che, la notte prima dell’apertura, in pieno fermento tra un pennello, un chiodo e una cornice ha trovato il tempo di spedire un selfie con la sua immagine preferita, il Palazzo della Civiltà Italiana fotografato da Tim Benton. O la gioia di Luigi Fedullo, professionista del settore che ha stampato in maniera impeccabile gli scatti in mostra, quando ha sussurrato: ‘di fotografie per le mostre d’autore ne ho viste tante; ma in questa occasione non sono stato capace di trovare un’immagine che non sia bella.’

Alcuni commenti lasciati nel libro d’oro, poi, sono straordinari nella loro spontanea interpretazione delle tematiche. E, ovviamente, qualche (fortunamente isolato!) commento meno lusinghiero nel segnalare qualche errore, qualche omissione o più semplicemente nel suggerire degli accorgimenti. Suggerimenti che ci permetteranno di migliorare la prossima volta.

Potresti dirci qualcosa in più sulla collezione fotografica del RIBA dalla quale provengono queste fotografie?

È una domanda complessa che impone una risposta articolata. La collezione fotografica del RIBA ha da sempre esercitato su di me un grande fascino; ho avuto anche il piacere di conoscere il suo primo curatore, Robert Elwall, deus ex machina della collezione. Si tratta di un vastissimo repertorio che raccoglie più di un milione e mezzo di immagini e, infatti, Valeria Carullo ha dedicato a questo argomento un lungo saggio in catalogo.

Costituisce una delle più grandi raccolte del genere al mondo – con i fondi della Prints and Photographs Collection della Library of Congress di Washington e della Avery Architectural and Fine Arts Library della Columbia University New York – e fra le più interessanti per la fotografia di architettura; in questo senso va anche ricordato il più piccolo fondo del Canadian Centre for Architecture. Il RIBA ha una magnifica sede Art Decò a Portland Place, a metà strada tra Regent Street e Regent’s Park. Gran parte del basement ospita negativi e stampe dell’archivio fotografico. Con la collezione di disegni e la biblioteca, rappresenta, per me, il nucleo culturale della professione, forse talvolta trascurato nel difficile rapporto con la professione stessa. Oltre a Valeria mi fa piacere ricordare, tra gli altri, Jonathan Makepeace e Justine Sambrook. La collezione spazia dalle origini della fotografia – é presente anche un’immagine di Henry Fox Talbot – alla contemporaneità, dal momento che continua ad acquisire, in maniera molto selettiva, immagini dei fotografi contemporanei, come Hélène Binet, Richard Bryant e Paolo Rosselli.

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Domenico Anderson, Sant’Agnese in Agone, Piazza Navona, early twentieth century (RIBA Collections)

Come si inseriscono la mostra e la ricerca sulla fotografia d’architettura nel tuo percorso professionale? 

Quando dieci anni fa ho lasciato l’Italia per l’Inghilterra non pensavo che sarei potuto ritornare a lavorarci. Poi Stephen Milner, attuale direttore della BSR, mi ha invitato a far parte della Faculty of Humanities e ne sono stato onorato; ho conosciuto in questo primo anno persone straordinarie e mi piace qui ricordare Maryanne Stevens e Vivien Lovell, con cui stiamo organizzando con la BSR a Londra un convegno interdisciplinare sul Concrete, dal Pantheon alla contemporaneità. La BSR è la più importante istituzione di ricerca Britannica all’estero, dinamica, attiva e mi appassionava l’idea di poter condividere la mia esperienza, in architettura e nelle arti visive maturata in Italia e poi a Londra, Cambridge e Liverpool – e, allo stesso tempo, legare la BSR con le eccellenze italiane. Del resto le accademie straniere in Italia rappresentano un veicolo fondamentale per la diffusione e lo scambio culturale.

Ai tempi dell’università in Italia ho sperimentato un sostanziale disinteresse sui temi connessi alla fotografia di architettura. La logica universitaria italiana, nella maggior parte dei casi, è ancora legata a pratiche poco confacenti un paese moderno: c’è bisogno di una rivoluzione culturale, perché, in realtà, non c’è molta differenza tra le logiche clientelari che attanagliano il Paese e quelle di cui soffre l’accademia. C’è ancora tanto da fare in questo senso anche se, ovviamente, eccezioni ed eccellenze esistono e brillano ancora più evidenti in questo panorama. Spero, in futuro, di poter a dare un contributo al nostro meraviglioso, ma bistrattato Paese. In Italia c’è bisogno di competenza, ma anche di coraggiosi strumenti legislativi che favoriscano il merito e l’indipendenza intellettuale. Un’equazione semplice, se, nelle sedi giuste, ci sarà la volontà di mettere in discussione il sistema per migliorarlo.

Tornando alla ricerca, ho comunque perseverato, certo che si trattasse di temi importanti; e ho trovato colleghi, come François Penz (attuale Head del Department of Architecture, Cambridge University) con il quale abbiamo  poi concepito tanti progetti, ad esempio la mostra su Cambridge in Concrete, articoli scientifici e condiviso un corso, The Culture of the Image, che analizza l’architettura attraverso il cinema e la fotografia.

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Monica Pidgeon, Termini Station, 1961 (RIBA Collections)

La fotografia è una soglia che permette di attivare il ricordo e l’immaginazione. Solo pensare che, come architetti, la nostra conoscenza degli edifici avviene, in gran parte, attraverso un’immagine, e quanto questo aspetto influisca sul modo in cui percepiamo e progettiamo l’architettura, credo rappresenti una motivazione sufficiente per studiare la fotografia con attenzione. Internet ha modificato esponenzialmente il numero di fruitori, e ha anche drammaticamente abbassato la qualità delle immagini che inondano l’etere. Imparare a discernere è diventata una priorità del nostro tempo e, infatti, in uno dei miei corsi cerco di far riflettere gli studenti proprio su come ‘leggere’ le immagini. Già negli anni trenta, Moholy-Nagy sosteneva che gli analfabeti del futuro sarebbero stati non quelli incapaci di leggere l’alfabeto, ma la fotografia.

Ho tanti interessi di ricerca interdisciplinari tra architettura e fotografia: accanto ai già citati fondi dell’Archivio Parisio e del RIBA, mi fa piacere ricordare l’archivio, conservato a Parigi, di Lucien Hervé, fotografo prediletto di Le Corbusier; mentre sto imparando a conoscere i fondi iconografici della BSR, grazie alla guida attenta di Valerie Scott e Alessandra Giovenco. Comunque, non trascuro mai incursioni nell’architettura contemporanea. Proprio in questi mesi, infatti, sto curando una mostra su Stirling+Wilford+Associates e dirigendo la competizione per la nuova scuola di Architettura a Liverpool: un progetto molto complesso per il quale, con il supporto dell’Università, stiamo immaginando una sfida per l’architettura che verrà. Magari ne parleremo in un’altra occasione…

Marco Iuliano

Marco in visita alla mostra


The BSR collaborated on this exhibition with RIBA, Polo Museale del Lazio, and the Monumento a Vittorio Emanuele II. Published by Skira, the catalogue contains, among others, contributions by Marco Iuliano (FAHL member), Stephen Milner (Director), Tom True (Assistant Director), and Alessandra Giovenco (Archivist).

 

 

 

BSR alumna exhibits at Pompeii and Herculaneum

Back in 2008, artist Catrin Huber visited Pompeii and Herculaneum for the very first time with her fellow BSR award-holders under the expert guidance of former BSR Director Andrew Wallace-Hadrill. This is when Catrin first fell in love with Roman wall painting.

Fast forward to 2018, and the seeds of an idea first sown during her BSR residency have come to fruition in the form of two site-specific contemporary art installations at Herculaneum and Pompeii.

The opening at Pompeii took place earlier in July in the Casa del Criptoportico. In the cryptoporticus itself, Catrin’s painted colonnade sits in dialogue with the Second Style wall paintings (inspired by episodes from the Trojan War) and incorporates replicas of everyday objects such as oil lamps.

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The second installation can be found in the area of the house containing one of the very few ‘private’ baths documented in Pompeii.

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A whole team of researchers was behind the project Expanded Interiors based at Newcastle University where Catrin is Senior Lecturer in Fine Art. The team included archaeologists Dr Thea Ravasi (Research Fellow at the BSR), Professor Ian Haynes (co-director of the BSR-Newcastle University Lateran Project) and Dr Alex Turner (Newcastle University). Their combined expertise was invaluable when it came to producing scans of the houses as well as the altered 3D replicas of Roman objects.

At the exhibition opening, speeches were given by BSR Honorary Fellow and Director of the Parco Archeologico di Pompei Massimo Osanna, as well as the Director of the contemporary art museum Museo Madre in Naples, who both discussed the value of an interdisciplinary dialogue when approaching archaeological sites.

37233072_10160680685475578_2726541695876333568_nThis dialogue between the historic and the contemporary can also be seen in the exhibition in Herculaneum which opened earlier this year. Here the installation focuses on objects, with some artistically altered replicas of rarely-seen artefacts from the storerooms of Herculaneum. The chosen location was the Casa del Bel Cortile, a significant site in the history of the excavations as it was used as a small antiquarium when the site was under the direction of the renowned Amedeo Maiuri.

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The Expanded Interiors exhibition rounds off a year of exciting initiatives for the Parco Archeologico di Ercolano and the Herculaneum Conservation Project to mark the 90th anniversary of the Scavi Nuovi initiated by Maiuri in 1927.

Both exhibitions are open to the public until January 2019.

You can read more from the Guardian here and watch a feature from RAI News here (from c. 18 minutes).

Expanded Interiors is led by Newcastle University with kind support from the Newcastle University Institute for Creative Arts Practice. The Arts and Humanities Research Council (AHRC), Parco Archeologico di Pompei, Parco Archeologico di Ercolano, Herculaneum Conservation Project and Art Editions North are project partners.

Photos by Sophie Hay.

 


If you are interested in Herculaneum more generally and wider issues of conservation, take a look at the recently published volume Protective Shelters for Archaeological Sites, the proceedings of a collaborative symposium which took place at Herculaneum in 2013.

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A look back at the June Mostra…

In June we saw the final Mostra of our 2017–18 programme, in which our seven Fine Arts award-holders put together an exhibition of works produced during the course of their residencies. Here we bring you a selection of photographs of works from the exhibition. You can read more about the practice of each artist by clicking on their name.

Josephine Baker (Sainsbury Scholar in Painting & Sculpture)

 

Oona Grimes (The Bridget Riley Fellow)

 

Yusuf Ali Hayat (Helpmann Academy Resident)

 

Damien Meade (Abbey Fellow in Painting)

 

John Rainey (Arts Council of Northern Ireland Fellow)

 

John Robertson (Abbey Scholar in Painting)

 

Murat Urlali (National Art School, Sydney, Resident)

 

Photos by Roberto Apa

 

Stanzas of recollection

This blog comes from Pele Cox the inaugural John Murray / Keats-Shelley Memorial Association Creative Writing Resident (October-November 2017; April-May 2018). In this post Pele shares with us the poem that she wrote and performed at the June Mostra.

I was asked to write this poem by Marta, Visual Art Residency and Programme Curator, as a homage to the artists for the recent Mostra. I decided to write a collage, using snatches from the favourite poems that some of the artists sent me. These are interwoven with my feelings of loss and gain at my own departure from the British School at Rome, which is communicated as a series of rooms (stanze).

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Stanzas

I

Leave the door ajar.

Cicero says if you have a garden and a library, you have everything you need.

But give me a studio and a courtyard.

Leave the door ajar and let me enter in

 

where

words can bloom

mid stripped walls, the blue guitar,

where the mosaic hours

burn

the music of gravel and of rain.

 

My love is of a birth as rare 

As is for object strange and high

it was begotten by despair

Upon impossibility.

 

Leave the door ajar

let me look inside

a sight within

where

words can bloom

mid thorns and scattered chair

 

 

II

I have a room of my own,

With twin steel nests, a desk, the curved chair with wings.

My knees to the books and back again,

the trees beyond and studios beneath,

and artist strange and rare.

 

You walk in. “This room is not going to last.”

We are caretakers of its ending: a shutter,

a camera, exposed.

I reach for the chair again

where I sat for Pushkin, for Sholokov,

where I sat for the things I knew would pass

on.

 

Lady disturbed in her bed-

your thoughts of it?

Light is it a body

 

Leave the door ajar

and let me enter in.

 

In the smoke after twilight

on a milk white steed

Michelangelo indeed

could have carved out 

your features.

 

where the mosaic hours

burn

the music of gravel and of rain.

 

 

III

When I put my hands on your body

on your flesh I see the history 

of that body.

 

Leave the door ajar

and let me enter in.

 

Not just the beginning of its forming 

in that distant lake

but all the way beyond its ending.

 

This room is not going to last

we are the inmates at

its ending.

 

And yet I quickly might arrive

where my extended soul is fixed.

 

It is finished now

this room,

a stanza of recollection.

 

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Text by Pele Cox, photo by Antonio Palmieri.